Costruito sulle fondamenta di un ovile preesistente, ma andato a fuoco nei primi anni ’80,  il progetto è stato commissionato dalla municipalità di Almere nel 2005 e terminato alla fine del 2008. L’ovile è una semplice scatola parallelepipedale di 126mq, avvolta in una facciata continua di listelli di legno. Questa trama listellare, apparentemente uniforme lungo l’intero perimetro esterno, è in realtà chiusa nella metà inferiore dell’edificio, e aperta in quella superiore, dove le fessure tra i listelli orizzontali garantiscono una ventilazione naturale e continua (come si può ben apprezzare nelle foto notturne). L’area destinata agli animali occupa metà della superficie dell’edificio, e si sviluppa su un unico spazio a doppia altezza, mentre l’altra metà comprende servizi igienici e un piccolo magazzino (al piano terra) e un ufficio e una seconda area di stoccaggio (al secondo piano).

L’edificio è aperto al pubblico, che può attraversare l’ovile longitudinalmente, passeggiando tra gli animali che si trovano ai due lati dei visitatori dietro ad apposite recinzioni. Alle estremità di questo percorso si trovano due porte, centrate sui lati corti del parallelepipedo, costituite da persiane realizzate nel medesimo grigliato listellare di tutta la superficie esterna, in cui si integrano perfettamente fino a divenire invisibili una volta chiuse. Altre 4 persiane invisibili sui due lati lunghi dell’edificio sono invece pensate per l’accesso degli animali. L’apertura basculante a libro consente un transito ampio e naturale alle pecore, che possono muoversi liberamente dentro e fuori dall’edificio nelle ore diurne, mentre al calare del sole le persiane si possono chiudere sia manualmente che automaticamente, grazie a un sistema di sensori crepuscolari capaci di riaprirle al sorgere del sole. Le pecore apprendono rapidamente questo ritmo e imparano da sole a rientrare quando il tramonto si avvicina, mentre la mattina decidono autonomamente se rimanere più a lungo all’interno oppure uscire subito nel parco.

Di notte, l’edificio diventa una lanterna luminosa al centro del parco. Come dicono i due architetti olandesi, si potrebbe dire che l’ovile “si sveglia e va a dormire ogni giorno” in completa autonomia. Con una trasparenza tutta nord europea Studio 70 e il comune di Almere dichiarano il costo di realizzazione dell’edificio, altrettanto fuori dall’ordinario ovino quanto lo è il suo design: 125.000€, coperti però quasi interamente da “sponsored money”, attirato dalla visibilità locale e internazionale del progetto.

L’ovile comunale del parco J.M. den Uyl non è il primo esperimento di fortunato connubio tra allevamento delle pecore e architettura di qualità realizzato dalla municipalità di Almere: nel 2003 lo stesso comune aveva già affidato a Studio 70 una casa altrettanto sofisticata per 80 fortunati ovini (e naturalmente – non dimentichiamolo – per un numero imprecisato di scolaresche e visitatori che ne beneficiano ogni giorno). E’ un precedente che aiuta ad inquadrare meglio entrambi i progetti, dal momento che le impeccabili linee curve delle sue geometrie e il costo ancora più elevato (300.000€) suggeriscono un approccio progettuale e politico già consolidato, e la sua convinta ripetizione permette di contestualizzare l’esperienza e l’investimento in un ambiente culturale capace di darle valore.

Per saperne di più:

• la scheda del progetto dell’ovile di J.M Den Uyl Park sul sito di Studio 70
• la scheda del progetto dell’ovile curvilineo di Almere progettato da Studio 70
• il sito del fotografo Luuk Kramer autore delle immagini dell’articolo

I 10 PRINCIPI DEL DECLUTTERING

Le tecniche di matrice anglosassone dello space clearing e del de-cluttering derivano dall’antica disciplina cinese del Feng Shui, che da 4000 anni studia il rapporto tra l’ambiente che ci circonda e il nostro mondo interiore. L’aspetto che mi interessa raccontarvi è però la semplicità del percorso e dei principi che ho seguito per fare evolvere il mio rapporto con le cose, che provo a sintetizzarvi in questi 10 punti:

1. Individuare le aree critiche della casa dove sono accumulati oggetti che non usiamo e che ci comunicano un senso di pesantezza. Con un piccolo sforzo di consapevolezza, impareremo non solo a riconoscere questa sensazione soffocante, ma riusciremo ad accorgerci che ci segue anche quando ci troviamo fuori casa. Può sembrare strano all’inizio, e un po’ esoterico leggendolo ora, eppure basterà poco per renderci conto che questi clutter ci fanno sentire prigionieri anche quando non li abbiamo sotto i nostri occhi.
2. Scegliere un’area ed attaccarla, quella e solo quella, dandosi un tempo (ragionevole) per ultimare il de-clutter. Non passare a un’altra area finché non si è ultimato il lavoro che ci si era prefisso per questa, e al termine concedersi un piccolo premio simbolico per gratificarci
3. Estendere il decluttering a porzioni sempre più ampie della casa, ma sempre avendo presente la scomposizione che avevamo fatto all’inizio, in modo che la tentazione di volere fare ordine ovunque in una volta sola non diventi l’alibi per non fare più nulla.
4. Ogni volta che si intercetta un oggetto decidere subito se tenerlo o liberarsene, senza incertezze. La domanda da porsi è: continua a servirmi o a comunicarmi una sensazione positiva anche nel presente oppure ha esaurito il suo ruolo? La risposta è strettamente personale, e nulla vieta che tale sensazione positiva sia puramente emotiva (ad esempio un oggetto che ci ricorda un momento felice o a una persona che amiamo), ma occorre che sia ancora viva e attuale, e questo soltanto noi possiamo saperlo e ammetterlo con onestà.
5. Non rimandare mai la decisione, accumulando alcuni oggetti per cui siamo incerti in un limbo dove ci proponiamo di riesaminarli: se l’oggetto rimane occorre decidere quale sarà il suo posto, se invece decidiamo di liberarcene dobbiamo farlo con fermezza, con gioia, e senza rimpianti.
6. E’ vietato avere ripensamenti: se per ogni oggetto iniziamo a domandarci se potrà prima o poi tornare utile il processo di space clearing si interromperà immediatamente. Occorre invece che ci domandiamo come potrà esserci utile. La risposta sarà illuminante e ci metterà con le spalle al muro, dissolvendo i nostri alibi. La nostra decisione non dovrà mai essere influenzata dal valore economico dell’oggetto o dal prezzo che abbiamo pagato in passato per averlo: a volte il fatto che ci sia costato una fortuna (o viceversa che ne siamo entrati in possesso gratuitamente), ci porta a pensare che sia un peccato privarcene, ma se riusciamo a comprendere che la sua inutilità continua a costarci moltissimo in termini di tempo, spazio, fatica mentale e opportunità perdute allora ci renderemo conto che il prezzo più alto che paghiamo è quello per tenerlo con noi, e improvvisamente ci apparirà chiaro che ci conviene liberarcene.
7. Se il distacco da alcuni oggetti ci mette in crisi occorre sempre ricordare che non possiamo fare entrare cose nuove nella nostra vita finché non liberiamo, e quindi creiamo, spazio per loro. Ogni oggetto che scegliamo di tenere nella nostra casa corrisponde a un’altro oggetto o a un’altra esperienza che non potrà entrare nella nostra vita, perché il suo posto è già occupato. Per me, che sono sempre curioso di ciò che il destino mi farà scoprire domani, questa consapevolezza è stata una fonte di motivazione decisiva: ogni volta che il mio processo si inceppava di fronte a un oggetto di difficile classificazione, mi domandavo, ad esempio, se preferivo tenerlo o avere tempo per riprendere a scrivere sul blog e la risposta diventava più facile ponendosi un metro di paragone tra il vecchio che lasciavo e il nuovo a cui mi aprivo.
8. Il decluttering richiede tempo: occorre capire quanto ce ne restituisce in cambio, e trovare il punto di equilibrio, ma soprattutto occorre vederlo come un processo permanente, da vivere con leggerezza e piacere, non come un momento tra una fase di accumulo e la successiva!
9. Quando il meccanismo dello space clearing si è innescato ci si accorgerà che si inizia a considerare il disfarsi del superfluo come un’esperienza gratificante. Quando ne avrete constatato i benefici, cercherete sempre più spesso queste gratificazioni. Liberarsi delle cose può darci lo stesso piacere che abbiamo avuto nel comprarle. Gli oggetti che ci circondano richiamano la nostra energia e la dirigono verso una dimensione meramente materiale, allontanandola da scopi più nobili e gratificanti verso cui può essere indirizzata la nostra vita.
10. Liberarci di ciò che abbiamo scartato non significa gettare quello che abbiamo escluso dal nostro futuro. Possiamo regalarlo a chi saprà apprezzarlo perché capace di trarne nuova utilità, oppure darlo in beneficenza. Le cose che finiranno nel pattume saranno molto poche: soltanto quelle che non possono più avere valore né per noi né per nessun altro.

DIVERSI LIVELLI DI SPACE CLEARING

Questo percorso può essere interpretato da ciascuno in modo diverso, e condurre a livelli di trasformazione di diversa portata: un primo livello è quello puramente pratico, per cui il decluttering ci porta a trovarci gradualmente circondati da un ambiente più organizzato, dove la quotidianità sarà più piacevole e semplificata. Posso tuttavia assicurare che la trasformazione può operare anche a un secondo livello, decisamente più profondo, facendoci sentire più liberi, e aiutandoci a incanalare le nostre energie nella direzione che abbiamo scelto invece che in quella verso cui ci dirottano tante costrizioni, di cui clutter sono una manifestazione. Eliminare il superfluo – è questo il messaggio ultimo dello space clearing - diventa allora un modo per recuperare l’essenziale, e riordinare anche i nostri obiettivi e le nostre priorità, da cui gli oggetti superflui – insieme a tanti altri fattori – ci stavano inutilmente distraendo.

GLI EFFETTI DEL DECLUTTERING

Non sono mai stato un clutterholic, un accumulatore cronico e incallito, ma chi conosce la mia casa sa che il minimalismo non abita certo tra le sue pareti. Ecco perché alcuni amici, da quando mi sentono farneticare di decluttering, varcano con trepidazione la mia porta, aspettandosi di trovarsi di fronte un panorama domestico improvvisamente trasfigurato in una teoria di algide stanze vuote, e restano vagamente delusi nello scoprire differenze apparentemente limitate: la scrivania sgombra, qualche ripiano libero qua e là, qualche oggetto in meno. La scoperta dello space clearing non consiste infatti necessariamente in una rivoluzione esteriore, ma in un nuovo  approccio a tutto ciò che ci domanda tempo ed energie per essere gestito. Gli oggetti (quelli visibili ai nostri ospiti, ma soprattutto quelli che ingombrano inutilmente cassetti e armadi), ma anche i files del nostro PC (i frutti più succosi della mia catarsi sono probabilmente quelli che ho raccolto nello spaceclearing digitale, semplificando il dedalo di cartelle e sottocartelle in cui era organizzato il mio disco fisso) e talora persino certi rapporti personali che assorbono energie senza un reale significato affettivo che ne giustifichi la persistenza (a chi è pronto ad addentrarsi nel delicatissimo dominio dello spaceclearing relazionale, consiglio un post di Michele Nigro, da leggere senza preconcetti).

Per saperne di più:

• il primo articolo dedicato a decluttering e space clearing
• il sito di Lucia Larese, autrice del libro “Space clearing”
• e quello di Karen Kingston, maestra inglese di Space clearing
• la pagina wikipedia dedicata a Brice Marden, l’artista americano autore dei dipinti che ho scelto per illustrare questo post

COME HO SCOPERTO IL DECLUTTERING

C’è sempre un momento, alla fine di ogni anno, in cui mi ritaglio un po’ di tempo per rileggermi il diario dell’anno concluso e per scrivermi propositi e obiettivi per l’anno che sta per cominciare. Questa volta, dopo un 2012 davvero intensissimo e in vista di un 2013 ancora più impegnativo, ho capito che le mie energie erano state interamente saturate e che per affrontare nuovi progetti occorreva crearne di nuove, o meglio ridistribuirle, liberandomi da vecchie zavorre. Una sensazione evidente, ma confusa, che sono riuscito a mettere a fuoco il giorno in cui, aggirandomi per la Biblioteca Panizzi di Reggio Emilia, ho avvertito un misterioso richiamo provenire da uno scaffale. C’era sopra un unico libro dal titolo “Space clearing” di Lucia Larese. Mi è bastata una sbirciatina all’abstract e pochi secondi dopo ero già in sella alla bici, diretto verso casa per leggerlo tutto d’un fiato e scoprirvi una serie di semplici consigli e riflessioni che nei mesi successivi mi hanno aiutato a fare quello che mi ero ripromesso: liberarmi di pesi e ingombri inutili (clutter) per concentrare le mie energie su progetti nuovi.

COSA SONO IL DECLUTTERING E LO SPACE CLEARING

Space clearing e decluttering sono discipline già molto diffuse nel mondo anglosassone che consistono nell’eliminare cose inutili per alleggerire gli spazi intorno a sé – tipicamente la propria casa e il proprio ufficio – trasformando così la propria vita. All’apparenza si direbbe uno di quei tipici concetti americani, più legati all’auto-convincimento che a un reale rapporto di causa-effetto, ecco perché, per spiegarvi cosa ha significato per me (e come può essere utile anche per voi) preferisco incominciare dalla sua traduzione in italiano, che in questo caso mi pare aiuti meglio ad afferrarne l’essenza. La traduzione che sceglierei io infatti non è quella letterale di “liberare spazio”, ripresa nel sottotitolo del libro, che mantiene l’idea sottrattiva della parola inglese: preferisco piuttosto guardare allo space clearing in termini additivi, descrivendovelo come l’arte di “fare spazio”. Se infatti “liberare spazio” significa sgombrare, togliere – sottrarre appunto – l’idea di “fare spazio” rimanda al contrario ad una idea più prodigiosa: quella di creare, generare – aggiungere, appunto – nuovo spazio. Questo processo di creazione è stato il fondamento della mia nuova consapevolezza: facendo decluttering e togliendo oggetti inutili non ho solo liberato spazio fisico, ma ne ho anche creato di nuovo, sia fisico che mentale, rendendolo disponibile per nuovi progetti e idee. Il primo principio dello space clearing infatti consiste semplicemente in questa ovvia constatazione: se non si fa spazio, nulla di nuovo può entrare.

DECLUTTERING CONSAPEVOLE

Il concetto di decluttering era già dentro di me da anni, se ripenso ai tempi dell’università, in cui dopo ogni esame la prima cosa che facevo era svuotare la mia camera di tutto quello che avevo accumulato nel periodo di preparazione per ricreare spazio per l’esame successivo. La differenza tra quell’approccio intuitivo e quello che ho maturato oggi leggendo il libro di Lucia Larese consiste nell’aver imparato a riconoscere con consapevolezza l’utilità o l’inutilità di un oggetto: liberarci di ciò che non ci serve non significa infatti sbarazzarci di ogni cosa che non ci fornisce un’immediata utilità, ma comprendere intimamente il significato profondo che gli oggetti hanno per noi per decidere quali lasciare andare con leggerezza e amore, innescando una trasformazione che ci porta a vivere più organizzati, semplificando i nostri gesti, liberando il nostro tempo e trasformando, anche se può sembrare eccessivo, tutta la nostra vita.

Se questa breve introduzione vi ha fatto venire voglia di assaggiare i benefici dello space clearing e del decluttering allora vi do appuntamento a domani, con un nuovo post dedicato ai 10 passi da seguire per fare nuovo spazio fuori e dentro di voi. Vi aspetto!

Per saperne di più:

• il secondo articolo dedicato a decluttering e spaceclearing
• il sito di Lucia Larese, autrice del libro “Space clearing”
• e quello di Karen Kingston, maestra inglese di Space clearing
• la pagina wikipedia dedicata a Brice Marden, l’artista americano autore dei dipinti che ho scelto per illustrare questo post

MONICA VITTI

La prima avventura di Maria Luisa Ceciarelli

MONICA VITTI

Gli anni ’60 e il cinema impegnato

Si trattava senz’altro di un sospiro di ammirazione mista a curiosità. Eh sì, perché Monica, la “musa” di Antonioni, di curiosità ne destò parecchia nel corso dei primi anni ’60, quando le era stato cucito addosso il ruolo di attrice impegnata nei film sull’incomunicabilità realizzati dal cineasta ferrarese. Ma da dove sbuca fuori questa Vitti che dall’aspetto sembra più tedesca che italiana, che non ride mai, che fa sempre la nevrotica, l’infelice, l’insoddisfatta? Ma ci è o ci fa? Più o meno erano queste le domande che assillavano i “curiosoni”, ovvero i giornalisti, i critici, ma anche le persone comuni.

MONICA VITTI

Un nuovo concetto di diva

Ma il ciclone Vitti non si ferma qui: già, perché proprio quella stangona bionda, algida, che non ride mai, è invece capace di far sbellicare dalle risate gli italiani ed è nel 1968 che avviene la svolta, quando Mario Monicelli la vuole come protagonista de “La ragazza con la pistola”. Monica, con una parrucca nera dalla lunga treccia che le arriva in fondo alla schiena, interpreta una siciliana disonorata che cerca vendetta, ma che alla fine si rifà una nuova vita a Londra. Ed è proprio questa un’altra delle sue peculiarità, quella di trasformarsi continuamente, di saper interpretare in maniera magistrale le tipologie femminili più disparate, passando dal registro comico a quello drammatico con una impareggiabile naturalezza.

MONICA VITTI

Gli anni ’70 e l’emancipazione femminile

MONICA VITTI

Oggi e domani.

Oggi di Monica non si parla più, dato che da circa dieci anni è stata costretta a ritirarsi dalle scene a causa del morbo di Alzheimer. Il rispetto per la malattia e per la sua vita privata è sacrosanto, ma questo non significa dimenticare ciò che un’ artista straordinaria ha dato al cinema italiano. Ricordare Monica Vitti non significa parlare della malattia che la sta consumando o del suo privato, ma tenere vivo l’esempio di una Donna (con la D maiuscola) che non ha mai sentito il bisogno di allinearsi agli stereotipi di successo del suo tempo e che invece di arrendersi all’omologazione è stata capace di inventare e affermare un modello di attrice completamente nuovo: se stessa.
Domani chiedete alle vostre figlie se sanno chi sia Monica Vitti. Se vi risponderanno di no, raccontateglielo voi chi è stata.

Per saperne di più:

• La Pagina Facebook dedicata a Monica Vitti a cura da Jessica Pieragostino
• La filmografia completa di Monica Vitti su MyMovies
• La pagina Wikipedia dedicata a Monica Vitti

Come abbiamo visto nei progetti di Visiona 0 e Visiona 2 e in quello di Der Spiegel e della Spiegelkantine ad Amburgo, una delle chiavi del successo di Verner Panton è sicuramente la capacità di combinare colori puri e intensi che marcarono il gusto del suo tempo ben oltre i confini della Danimarca: un talento di cui ha dato prova anche in questo progetto del 1971 per il completo allestimento degli interni del ristorante Varna (detto anche Varna Palace o Varna Palæet), nella città di Århus in Danimarca. Il locale, collocato all’interno di un candido castellozzo turrito costruito nel 1909, nella foresta di Marselisborg, è un vero concentrato di prodotti di serie disegnati da Panton, combinati ad arredi che il designer aveva invece progettato esclusivamente per il locale.

IL VARNA RESTAURANT E VERNER PANTON

Il principio del total environment

Nel pieno rispetto del principio del “total environment“, anche il Varna era inteso come un insieme unico, interamente frutto della creatività di Panton, che ne aveva progettato ogni dettaglio: dagli arredi (le sedie metalliche Pantanova della sala principale e le Panton Chair in plastica rossa della sala rotonda) agli apparecchi per l’illuminazione (le sospensioni Spiral Lamp SP1 della sala principale e le Flowerpot che disegnano larghi motivi circolari nella sala rotonda) fino agli accessori decorativi (i controsoffitti di sfere colorate di poliuretano sospese), e ai materiali di rivestimento (i motivi curvilinei Decor I delle moquette e dei tessuti di Mira-X).

Tutti gli elementi del progetto erano stati disegnati e combinati da Panton per generare da un lato l’effetto di immersione in mondo unitario e fantastico, ma dall’altro per caratterizzare ogni sala conferendole una dinamica specifica, costruita attraverso forme e colori dedicati. Seguendo questa logica la sala principale del ristorante era dominata da un colore viola intenso (decisamente molto Panton!), scandita dai volumi sferici arancioni e blu del soffitto e accesa dai riflessi metallici delle Spiral Lamps e delle sedie Pantonova cromate.

L’atmosfera cambiava nella sala rotonda, detta anche Red Hall dal nome del rosso primario di ogni suo elemento – tende, luci, pavimenti, soffitti, tavoli e sedie – e accentuato dalla calda luce riflessa delle sospensioni Flowerpot, appese al soffitto. Anche le forme organiche delle strutture di riposo Living Tower collocate nella lounge servivano a darle un segno stilistico specifico, coerente con la sua funzione di relax e conversazione, così come il designer aveva invece scelto di enfatizzare le proporzioni del corridoio d’ingresso ritmandole con i motivi ondulati delle moquettes e dei tessuti alle pareti.

IL VARNA RESTAURANT E VERNER PANTON

Il destino attuale del progetto

Un progetto come quello del Varna Palace riuscirebbe a sembrarci innovativo anche se fosse appena stato firmato da qualche archistar contemporanea. Pensare quindi che le immagini che vedete risalgono invece a 42 anni fa non può lasciare indifferenti. Ma se il tempo non ha scalfito la portata storica dell’interior design di Panton, ha invece fatto piazza pulita di ogni sua traccia tangibile, che non siano queste fotografie: da un commento a un post su Private, ho scoperto che il ristorante è stato chiuso intorno al 1980, quando Panton era ancora in vita e non ancora consacrato dai posteri come uno dei grandi del design del XX secolo.

Tra il momento del cambio delle mode e quello in cui il trascorrere del tempo permette di stabilire la prospettiva migliore per guardare alle testimonianza del passato, c’è sempre un periodo di mezzo, in cui il confine tra genio e stupidità risulta piuttosto sottile. Il Varna non è riuscito a sopravvivere a questo interludio e non appena i suoi arredi sono apparsi datati (troppo “kindergarten-like“, come scrive il commentatore) il destino ha voluto che i nuovi proprietari del locale se ne sbarazzassero senza scrupoli.  Il ristorante è stato nuovamente riaperto al pubblico recentemente, completamente riarredato in un classico stile nordico, chiaro e pulito, che limita le citazioni al glorioso passato del locale al misero omaggio di qualche sospensione di Verner Panton appesa al mesto controsoffitto fonoassorbente bianco senza riuscire a mostrare nulla di sostanzialmente diverso da tanti altri ristoranti  scandinavi: “cool but a bit boring“.

Gli altri 3 post della serie dedicata al mondo di Verner Panton:

1. La biografia e i progetti di Verner Panton
2. Le esposizioni Visiona 0 (1968) e Visona 2 (1970) per Bayer a Colonia (Germania)
3. Gli uffici della casa editrice Spiegel e la sua celebre Spiegelkantine ad Amburgo (Germania) del 1969

Per saperne di più:

• la scheda del progetto del Varna Restaurant sul portale ufficiale di Verner Panton
• un interessante articolo di The Tought Experiment dedicato a questo progetto
• il sito del Varna per scoprire com’è oggi (clickate solo se ve la sentite davvero di vedere la metamorfosi di questo luogo straordinario)

DER SPIEGEL E VERNER PANTON:

Le origini del progetto

Nel 1969 la celebre testata giornalistica tedesca decise di trasferirsi in un nuovo, modernissimo, quartier generale (il terzo della sua storia) nel cuore di Amburgo, in Ost-West Strasse. Il progetto dell’edificio fu affidato a Werner Kallmorgen mentre Verner Panton fu chiamato da Hans Detlev Becker, allora a capo della casa editrice, a disegnare completamente buona parte degli interni: la grande lobby e il cortile all’entrata dell’edificio, la mensa per i dipendenti e la zona bar, la piscina per i dipendenti nel piano interrato, le sale conferenze e le lounge del primo piano. Per assicurare una coerenza con i piani superiori gli fu chiesto anche di progettare le palette cromatiche dei corridoi delle principali zone uffici, differenziate per ognuno dei piani.

DER SPIEGEL E VERNER PANTON:

Il principio del Total Environment

La coerenza a 360° del progetto era in effetti un obiettivo centrale nel pensiero e nel modo di progettare del designer danese, che utilizzava l’espressione ”total environment” per esprimere questo suo approccio. Negli spazi che gli erano stati affidati il designer danese era infatti solito curare non solo il layout degli ambienti, ma anche il 100% degli elementi di arredo, dalle lampade ai tessuti, dalle sedute imbottite ai pannelli modulari per rivestire pareti e soffitti. Anche negli uffici di Der Spiegel tutti questi elementi erano infatti prodotti industriali o prototipi disegnati da Panton (con la sola eccezione di alcuni degli arredi prodotti da Knoll International). Vero cardine dell’interior design dell’edificio era però innegabilmente il colore: sicuramente uno degli strumenti che il designer danese sapeva usare con più abilità per assicurare una logica comune alle diverse stanze, come nel caso del Varna Restaurant o delle installazioni Visiona 0 e Visiona 2.

DER SPIEGEL E LA SPIEGELKANTINE:

Le reazioni controverse dei contemporanei

Anche quello di Der Spiegel, come molti altri avanguardistici progetti di Verner Panton, ha dovuto fronteggiare non poche difficoltà per essere accettato, innanzitutto da parte dei giornalisti che lavoravano nell’edificio: in una newsletter interna dal 3 febbraio, 1969 gli stessi redattori dello Spiegel descrivevano le “stravaganze” decorative degli interni come un’amalgama di “geometria e colore, cozze, vetro e luci scintillanti“. In un editoriale di un numero speciale di Spiegel del 1995 dal titolo “Das Jahrhundert des Design” (Il secolo del design) Stephan Burgdorff parlando della Spiegelkantine scrive che “la frenesia di colore non ha fatto altro che innervosire i dipendenti di Der Spiegel” mentre Hellmuth Karasek, redattore della rivista dal 1974 al 1996, ha recentemente accusato il design di Verner Panton di un vero “contrasto con il serio lavoro svolto dai redattori dello Spiegel“.

DER SPIEGEL E LA SPIEGELKANTINE:

Il nuovo destino della Spiegelkantine

Fino a poco tempo fa la Spiegelkantine era uno degli ultimi progetti di interior design di Verner Panton ancora esistenti e visitabili: se la piscina fu infatti distrutta in un incendio pochi anni dopo la sua realizzazione e l’intera area dell’ingresso è stata ampiamente ridisegnata negli anni ’90, quando ancora le opere di Panton non erano state sufficientemente valorizzate, la mensa aveva invece mantenuto fino al 2011 la sua forma e gli arredi originali, ed era possibile visitarla purché accompagnati da un dipendente della casa editrice.

Nel 2007 però il gruppo editoriale Spiegel, ormai troppo cresciuto per gli uffici di Ost-West, ha affidato a Henning Larsen Architects il progetto di una nuova sede di 50.000 mq nella Hafencity, il nuovo quartiere sorto nel vecchio porto di Amburgo sulle rive dell’Elbe. E’ in questo edificio che la società, dopo 4 anni di lavori,  ha spostato il suo quartier generale. Dal 7 novembre 2011 la vecchia Spiegelkantine, ultima superstite dell’opera di Panton, è rimasta sola nel vecchio edificio deserto di Ost-West. In effetti qualcosa del progetto di Panton ha seguito Der Spiegel nella nuova sede: un certo numero di Spiegel dashboards (i moduli quadrati in plastica che incorporavano il sistema a luce indiretta progettato da Panton), sono stati reinstallati su una vertiginosa parete della nuova caffetteria al quinto piano dell’edificio di Hafencity. Gli fanno compagnia qualche grappolo di Flowerpot Lamp (i lampadari che pendevano innumerevoli sui tavoli della mensa), un piccolo gregge di alcune nuove Amoeba chair di Panton disposte su qualche metro quadrato di moquette disegnata dal designer per Mira-X: minuscolo ma doveroso, omaggio al nostro eroe.

Dalla scorsa settimana però, se avete nostalgia della vecchia mensa di Der Spiegel c’è una buona notizia: per visitarla non serve nemmeno più farsi accompagnare da un dipendente dello Spiegel, ma può bastare una visita al Museum für Kunst und Gewerbe, il museo di arti decorative di Amburgo, dove la mensa, smontata con cura pezzo dopo pezzo, è stata ricomposta in uno spazio esclusivo di 1000 mq dedicato a questo cimelio del design che dal 20 ottobre 2012 è finalmente accessibile a tutti. In realtà non tutta la Spiegelkantine è stata messa in mostra, ma soltanto i 150 metri quadrati della cosiddetta “area arancione”, circa la metà della mensa originale. Sufficienti comunque a respirare un ultimo soffio di storia del design, avvolti nel total environment di un’esperienza 100% Made in Panton.

Gli altri 3 post della serie dedicata al mondo di Verner Panton:

1. La biografia e i progetti di Verner Panton
2. Le esposizioni Visiona 0 (1968) e Visiona 2 (1970) per Bayer a Colonia (Germania)
3. Il Varna Restaurant di Arhus (Danimarca) del 1971

Per saperne di più:

• la scheda del progetto di Der Spiegel e della Spiegelkantine sul portale ufficiale di Verner Panton
• Il sito del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, se volete programmare un piccolo pellegrinaggio alla Spiegelkantine
• il minisito della Spiegelkantine dove ritrovare le interessanti foto dello smontaggio e del rimontaggio della mensa… e il numero di telefono per affittarla (da novembre 2012 si potrà fare anche questo!)
• un eccezionale articolo di Stylepark che mi ha aiutato a orientarmi tra le diverse sedi dello Spiegel per capire che fine abbia fatto la Spiegelkantine e dove ho trovato le testimonianze-gioiello dei redattori della rivista contrari al design di Panton.

Oltre che un audace precursore nell’uso del colore (come nel progetto del Ristorante Varna, in quello degli uffici di Spiegel e negli altri progetti di Verner Panton), l’architetto danese è stato anche un vero maestro nel dare corpo alle atmosfere psichedeliche degli anni ’60 e all’estetica della Pop Art, con le sue inafferrabili forme fluide, a cui Panton aggiunse un’inedita tridimensionalità, superando i vincoli produttivi dell’industrial design e quelli costruttivi dell’interior design per trasformare gli spazi e gli oggetti.

Come ogni tenace visionario anche Verner Panton aveva fatto suo il motto di Walt Disney “se puoi sognarlo puoi anche farlo”, e con una determinazione non seconda al suo talento aspettava soltanto l’occasione giusta per realizzare nella realtà le forme che aveva già costruito nella sua mente. Chi avrebbe potuto immaginare che sarebbe stata una grande azienda chimico-farmaceutica a dargli la possibilità di farlo? Dalla fine degli anni ’60 alla metà degli anni ’70, l’azienda chimico-farmaceutica Bayer aveva infatti preso l’abitudine di noleggiare un’imbarcazione da crociera durante ogni edizione della Cologne Furniture Fair, il principale appuntamento fieristico tedesco per il settore del mobile. Per tutta la durata dell’evento il battello veniva trasformato in un vero e proprio Temporary Showroom da un designer più o meno affermato a cui l’azienda dava carta bianca per costruire una vera e propria installazione-manifesto galleggiante sulle acque del Reno. Verner Panton fu chiamato ben due volte per disegnare gli interni dell’esposizione: una prima volta nel 1968 e una seconda nel 1970.

VISIONA 0

Il primo progetto per Bayer del 1968

L’edizione del 1968 prese il nome di “Visiona” (successivamente chiamata anche “Visiona 0″ per distinguerla dalla seconda, più celebre, installazione). L’obiettivo principale dell’operazione consisteva nel promuovere i prodotti dell’azienda, in particolare il Dralon - una fibra sintetica dalle inesplorate e infinite applicazioni al campo dell’arredamento – che l’azienda voleva presentare ai buyer e ai produttori del mondo del design, che in quei giorni affollavano la capitale della Renania per visitare la fiera. Negli articolati spazi del battello Panton mise in scena un universo straordinario, dove già si potevano assaggiare tutti i suoi temi (seppur leggermente acerbi e smorzati da una relativa timidezza destinata a scomparire completamente nei lavori successivi): i colori puri e intensi, le forme geometriche nette e ripetitive, il principio del “total environment“, che consisteva nel coinvolgere nel progetto ogni singolo aspetto, oggetto e materiale dello spazio interno.

VISIONA 2

Il secondo storico progetto per Bayer del 1970

Per l’edizione del 1970 Bayer confermò l’incarico a Panton che, rassicurato dal successo della prima iniziativa, si sentì pronto a spingersi ancora più in là. Se “Visiona” sembrava già disegnare un insuperabile universo futuribile “Visiona 2” riuscì a scavalcare ogni aspettativa e a fare del suo celebre “Phantasy Landscape” una indiscutibile pietra miliare della storia del design del XX secolo. Accanto ai colori vividi e alle forme geometriche relativamente semplici dell’installazione precedente si aggiunsero infatti ambienti interamente scolpiti in forme organiche fluide tipiche dell’estetica Pop, pensate per dimostrare tutta la versatilità dei nuovi prodotti Bayer e ancora impensabili nelle applicazioni al campo dell’arredamento. In pochi mesi Verner Panton e la sua equipe riuscirono a dare vita a un vero e proprio universo magico, capace di proiettare i visitatori in una dimensione onirica inattesa.

Il design dei diversi ambienti del percorso era profondamente diversificato, ma al tempo stesso la sua sorprendente varietà di invenzioni, forme, colori, lampade, mobili, tessuti e rivestimenti convergeva verso una visione chiara e unitaria del design che stava per affacciarsi sulla seconda metà del secolo grazie alle nuove conquiste industriali. Non a caso molti degli oggetti proposti nell’esposizione come prototitipi entrarono negli anni successivi nelle produzioni su larga scala, rese possibili dai nuovi materiali e dai nuovi processi produttivi a cui Panton guardava già con grande fiducia e divertito da un certo gusto della sfida che si ritroverà in molti dei suoi progetti anche nel campo dell’industrial design.

VISIONA 2

Il presente del progetto

Se di “Visiona 0” si è persa ogni traccia, il “Phantasy Landscape” di “Visiona 2” continua invece a esistere, custodito negli archivi del Vitra Design Museum di Basilea e spesso prestato ai musei di tutto il mondo, dove la reazione di chi continua anche oggi a sorprendersi di fronte alle sue linee dimostra che in fondo quella visione del futuro di Verner Panton non sia ancora diventata passato.

Gli altri 3 post della serie dedicata al mondo di Verner Panton:

1. La biografia e i progetti di Verner Panton
2. Gli uffici della casa editrice Spiegel ad Amburgo e la celebre Spiegelkantine (Germania) del 1969
3. Il Varna Restaurant di Arhus (Danimarca) del 1971

Per saperne di più:

• Un primo video sul canale YouTube di Tagwerc per esplorare l’installazione “Visiona 2″, tratto dagli archivi Bayer (imperdibile!)
• Un secondo video sul canale YouTube di Tagwerc, per completare il tour di “Visiona 2″ (imperdibile!)
• Un terzo video sul canale YouTube di Tagwerc, per scoprire anche “Visiona 0″, la prima installazione di Verner Panton per Bayer del 1968 (imperdibile!)
• La scheda del progetto “Visiona 0” sul portale ufficiale di Verner Panton
• la scheda del progetto “Visiona 2” sul portale ufficiale di Verner Panton
• Un articolo sul recente restauro del “Phantasy Landscape” di “Visiona II” con tessuti di nuova produzione perfettamente fedeli agli originali voluti da Panton